En cuanto al
minimalismo
El minimalismo, como movimiento
artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la
Segunda Guerra Mundial, iniciado en 1960. Se dice que surge como una reacción al
Por Art, pues le hace frente a los temas en el que éste se desenvolvía: el colorismo,
la importancia de los medios de comunicación de masas y a lo comercial, basándose
en conceptos completamente opuestos.
El término
minimalista se refiere, de manera general, a cualquier cosa que se reduce a lo esencial,
o que proporciona sólo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la
tendencia a simplificar todo a lo mínimo.
Los
primeros films de Andy Warhol, como Empire
, donde por poco más de ocho horas y en un sólo plano se muestra la punta del Empire
State Building (aquí la liga: https://www.youtube.com/watch?v=-w5ogGru8qg); Sleep, donde sólo se ve un hombre
dormido por 5 horas (aquí un extracto: https://www.youtube.com/watch?v=pkQMJBlO0v8),
y otros más, podemos observar que Andy muestra una actitud totalmente
minimalista. Estos films, nos menciona Eugeni
Bonet en su lectura Alter video, “no exigía la presencia del espectador durante toda la duración de la
cinta, sino aquel decidía aisladamente su propio tiempo de lectura”.
Otro
importante artista que se valió del video para registrar acciones muy simples y
monótonas, fue Bruce Nauman, por ejemplo en su film walking in an exaggerated manner se muestra un hombre caminando
adelante y hacia atrás, por más de 10 minutos, en torno a un cuadro pintado en el suelo (aquí
la muestra: https://www.youtube.com/watch?v=Qml505hxp_c).
Haciendo una
reflexión sobre la relación con el video, me parece que éste fue determinante
para este movimiento artístico, pues artistas como Warhol y Nauman lograron
hacer el registro de estas acciones a partir de ello.
En cuanto al
Por Art
Sabemos que el Pop Art es un movimiento artístico que se dio como reacción al
llamado expresionismo abstracto, el cual en muchas de las veces, lo primordial no era
el resultado final de sus obras, sino más bien el proceso por el que pasaban
para llegar a éstas.
Ahora bien,
es precisamente en la época e del Pop Art (mediados de 1950) cuando se dan los
antecedentes del video art. Eugeni Bonet nos menciona
que “estos antecedentes han llegado a buscarse en obras objetuales o
assemblages que incorporan aparatos de televisión: Deutscher Ausblick de Wolf
Vostell, 1958; asimismo, The Big Eye de Edward Kienholz, 1961, y un assemblage
de Tom Wesselman fechado en 1963.”
Las apariencias serían el eje central del Pop
Art, lo cual estaba directamente
relacionado con todo lo que tuviera que ver con la televisión, la publicidad,
la farándula y la fama. Por ejemplo, era común usar a iconos y estereotipos que
representaban a Estados Unidos: La Coca-Cola, Marilyn Monroe, Kennedy, Elvies
Presley, etc. Tomo Weesselman se caracterizaba por ello, como se muestra en la
siguiente liga. [https://www.youtube.com/watch?v=lrXwJHYysCg].
Tom Wesselman Andy Warhol
Mencionado
lo anterior, la reflexión sobre la relación del Por Art con el origen del video
la encaminaría al uso que tuvo el Pop Art de imágenes que fueran un tanto exhibicionistas
y que reclamaban ser contempladas y en última instancia admiradas por el público,
lo cual era proveído por la televisión y ésta, a su vez, era provista de imágenes
gracias al video.
En cuanto a
Andy Warhol
Como bien sabemos, Andy Warhol fue el más
destacado del Pop Art. Su obra se caracteriza por la manipulación y polémica
que suscitaron en su momento, tanto por el uso del color, unas veces monocromo
y otras contrastadas, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática.
Su obra resultó siempre provocadora, excéntrica pues encerraba un sentido
irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.
También su
obra muchas veces se reduce a una elección aparentemente banal dejando a un
lado la manufactura, como la lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola.
Otra característica
peculiar en su trabajo, era la descontextualización del objeto. Por ejemplo,
sus obras Cajas de Brillo o Silver Clouds, eran expuestas como esculturas, lo mismo que la
lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola, estos últimos representados
como símbolo de la modernidad y los nuevos tiempos.
En cuanto a
su trabajo fílmico, lo que más ha llamado la atención es esta insistencia en crear
en el espectador cierta sensación de desesperación y aburrimiento. Algunas de
sus películas, como las que ya he mencionado (Empire y Sleep) más la de Kiss
(donde por 54 minutos aparecen varias parejas, heterosexuales y homosexuales, besándose
apasionadamente) son peculiarmente largas y cansadas a la vista. La misma
tendencia que sucede con Bill Viola o Vito Acconci.
Empire (1964) Kiss (1963) Sleep (1963)
En cuanto a The
passing de Bill Viola
The passing es un filme
de Bill Viola realizado en el año de 1991 y básicamente se trata de una serie de
imágenes en blanco y negro en las que Viola nos sumerge en una ambiente, por
momentos muy nostálgicos (como la escena donde aparece una mujer adulta
moribunda), algunos otros llenos de misterios (como esos acercamientos a los
ojos mirando fijamente a la cámara) y otros tantos muy conmovedores (como la
escena del bebe recién nacido).
Me parece que algo que es fundamental en esta película,
y por lo cual me resulta bastante interesante y profundamente emotiva, es esa
lentitud en la que Viola decide trabajar sus escenas, y un audio que va
de la mano con esta característica, pues es sumamente misterioso y remite a un
sin fin de sensaciones, simplemente ese profundo respirar de una persona, o las
pisadas sobre la tierra, me parecen básicas para lograr envolvernos en ese
ambiente.
Aquella
escena donde Viola nos sitúa en la mirada del personaje, éste se levanta y se
ve reflejada su sombra a la par que escuchamos sus pasos, me pareció bastante interesante
pues de alguna forma Viola logra, por un lado, permitirnos tener una
aproximación de cómo el personaje ve lo que tiene frente a él, y por otro lado,
gracias a la sombra, podemos ver al personaje.
Viola logra
hacer de este filme no verlo como una especie de película en la que una pantalla
se interpone entre las imágenes y el espectador, sino que nos adentra de manera
tal, que es casi como vivir, sentir y escuchar casi desde el interior de la película y, a su vez, desde el mismo Viola, pero visto desde nuestra propia
perspectiva.
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