Origen del video. Actividades y reflexiones

En cuanto al minimalismo

El minimalismo, como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en 1960. Se dice que surge como una reacción al Por Art, pues le hace frente a los temas en el que éste se desenvolvía: el colorismo, la importancia de los medios de comunicación de masas y a lo comercial, basándose en conceptos completamente opuestos.

  El término minimalista se refiere, de manera general,  a cualquier cosa que se reduce a lo esencial, o que proporciona sólo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la tendencia a simplificar todo a lo mínimo. 

            Los primeros films de Andy Warhol, como Empire , donde por poco más de ocho horas y en un sólo plano se muestra la punta del Empire State Building (aquí la liga: https://www.youtube.com/watch?v=-w5ogGru8qg); Sleep, donde sólo se ve un hombre dormido por 5 horas (aquí un extracto: https://www.youtube.com/watch?v=pkQMJBlO0v8), y otros más, podemos observar que Andy muestra una actitud totalmente minimalista. Estos films, nos menciona  Eugeni Bonet en su lectura Alter video, “no exigía la presencia del espectador durante toda la duración de la cinta, sino aquel decidía aisladamente su propio tiempo de lectura”. 

Otro importante artista que se valió del video para registrar acciones muy simples y monótonas, fue Bruce Nauman, por ejemplo en su film walking in an exaggerated manner se muestra un hombre caminando adelante y hacia atrás, por más de 10 minutos,  en torno a un cuadro pintado en el suelo (aquí la muestra: https://www.youtube.com/watch?v=Qml505hxp_c). 

 Haciendo una reflexión sobre la relación con el video, me parece que éste fue determinante para este movimiento artístico, pues artistas como Warhol y Nauman lograron hacer el registro de estas acciones a partir de ello.

En cuanto al Por Art

Sabemos que el Pop Art es un movimiento artístico que se dio como reacción al llamado expresionismo abstracto, el cual  en muchas de las veces, lo primordial no era el resultado final de sus obras, sino más bien el proceso por el que pasaban para llegar a éstas.  

Ahora bien, es precisamente en la época e del Pop Art (mediados de 1950) cuando se dan los antecedentes del video art. Eugeni Bonet nos menciona que “estos antecedentes han llegado a buscarse en obras objetuales o assemblages que incorporan aparatos de televisión: Deutscher Ausblick de Wolf Vostell, 1958; asimismo, The Big Eye de Edward Kienholz, 1961, y un assemblage de Tom Wesselman fechado en 1963.”

      Las apariencias serían el eje central del Pop Art,  lo cual estaba directamente relacionado con todo lo que tuviera que ver con la televisión, la publicidad, la farándula y la fama. Por ejemplo, era común usar a iconos y estereotipos que representaban a Estados Unidos: La Coca-Cola, Marilyn Monroe, Kennedy, Elvies Presley, etc. Tomo Weesselman se caracterizaba por ello, como se muestra en la siguiente liga. [https://www.youtube.com/watch?v=lrXwJHYysCg].

 

 Tom Wesselman                                                    Andy Warhol

Mencionado lo anterior, la reflexión sobre la relación del Por Art con el origen del video la encaminaría al uso que tuvo el Pop Art de imágenes que fueran un tanto exhibicionistas y que reclamaban ser contempladas y en última instancia admiradas por el público, lo cual era proveído por la televisión y ésta, a su vez, era provista de imágenes gracias al video.  

En cuanto a Andy Warhol

Como bien sabemos, Andy Warhol fue el más destacado del Pop Art. Su obra se caracteriza por la manipulación y polémica que suscitaron en su momento, tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras contrastadas, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática. Su obra resultó siempre provocadora, excéntrica pues encerraba un sentido irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.

También su obra muchas veces se reduce a una elección aparentemente banal dejando a un lado la manufactura, como la lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola.  

Otra característica peculiar en su trabajo, era la descontextualización del objeto. Por ejemplo, sus obras Cajas de Brillo o Silver Clouds,  eran expuestas como esculturas, lo mismo que la lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola, estos últimos representados como símbolo de la modernidad y los nuevos tiempos. 

En cuanto a su trabajo fílmico, lo que más ha llamado la atención es esta insistencia en crear en el espectador cierta sensación de desesperación y aburrimiento. Algunas de sus películas, como las que ya he mencionado (Empire y Sleep) más la de Kiss (donde por 54 minutos aparecen varias parejas, heterosexuales y homosexuales, besándose apasionadamente) son peculiarmente largas y cansadas a la vista. La misma tendencia que sucede con Bill Viola o Vito Acconci.

Empire (1964)                           Kiss (1963)                              Sleep (1963) 

En cuanto a The passing de Bill Viola

The passing es un filme de Bill Viola realizado en el año de 1991 y básicamente se trata de una serie de imágenes en blanco y negro en las que Viola nos sumerge en una ambiente, por momentos muy nostálgicos (como la escena donde aparece una mujer adulta moribunda), algunos otros llenos de misterios (como esos acercamientos a los ojos mirando fijamente a la cámara) y otros tantos muy conmovedores (como la escena del bebe recién nacido). 

Me parece que algo que es fundamental en esta película, y por lo cual me resulta bastante interesante y profundamente emotiva, es esa lentitud en la que Viola decide trabajar sus escenas, y un audio que va de la mano con esta característica, pues es sumamente misterioso y remite a un sin fin de sensaciones, simplemente ese profundo respirar de una persona, o las pisadas sobre la tierra, me parecen básicas para lograr envolvernos en ese ambiente.

Aquella escena donde Viola nos sitúa en la mirada del personaje, éste se levanta y se ve reflejada su sombra a la par que escuchamos sus pasos, me pareció bastante interesante pues de alguna forma Viola logra, por un lado, permitirnos tener una aproximación de cómo el personaje ve lo que tiene frente a él, y por otro lado, gracias a la sombra, podemos ver al personaje.

Viola logra hacer de este filme no verlo como una especie de película en la que una pantalla se interpone entre las imágenes y el espectador, sino que nos adentra de manera tal, que es casi como vivir, sentir y escuchar casi desde el interior de la película y, a su vez, desde el mismo Viola, pero visto desde nuestra propia perspectiva.