Origen del video. Actividades y reflexiones

En cuanto al minimalismo

El minimalismo, como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en 1960. Se dice que surge como una reacción al Por Art, pues le hace frente a los temas en el que éste se desenvolvía: el colorismo, la importancia de los medios de comunicación de masas y a lo comercial, basándose en conceptos completamente opuestos.

  El término minimalista se refiere, de manera general,  a cualquier cosa que se reduce a lo esencial, o que proporciona sólo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la tendencia a simplificar todo a lo mínimo. 

            Los primeros films de Andy Warhol, como Empire , donde por poco más de ocho horas y en un sólo plano se muestra la punta del Empire State Building (aquí la liga: https://www.youtube.com/watch?v=-w5ogGru8qg); Sleep, donde sólo se ve un hombre dormido por 5 horas (aquí un extracto: https://www.youtube.com/watch?v=pkQMJBlO0v8), y otros más, podemos observar que Andy muestra una actitud totalmente minimalista. Estos films, nos menciona  Eugeni Bonet en su lectura Alter video, “no exigía la presencia del espectador durante toda la duración de la cinta, sino aquel decidía aisladamente su propio tiempo de lectura”. 

Otro importante artista que se valió del video para registrar acciones muy simples y monótonas, fue Bruce Nauman, por ejemplo en su film walking in an exaggerated manner se muestra un hombre caminando adelante y hacia atrás, por más de 10 minutos,  en torno a un cuadro pintado en el suelo (aquí la muestra: https://www.youtube.com/watch?v=Qml505hxp_c). 

 Haciendo una reflexión sobre la relación con el video, me parece que éste fue determinante para este movimiento artístico, pues artistas como Warhol y Nauman lograron hacer el registro de estas acciones a partir de ello.

En cuanto al Por Art

Sabemos que el Pop Art es un movimiento artístico que se dio como reacción al llamado expresionismo abstracto, el cual  en muchas de las veces, lo primordial no era el resultado final de sus obras, sino más bien el proceso por el que pasaban para llegar a éstas.  

Ahora bien, es precisamente en la época e del Pop Art (mediados de 1950) cuando se dan los antecedentes del video art. Eugeni Bonet nos menciona que “estos antecedentes han llegado a buscarse en obras objetuales o assemblages que incorporan aparatos de televisión: Deutscher Ausblick de Wolf Vostell, 1958; asimismo, The Big Eye de Edward Kienholz, 1961, y un assemblage de Tom Wesselman fechado en 1963.”

      Las apariencias serían el eje central del Pop Art,  lo cual estaba directamente relacionado con todo lo que tuviera que ver con la televisión, la publicidad, la farándula y la fama. Por ejemplo, era común usar a iconos y estereotipos que representaban a Estados Unidos: La Coca-Cola, Marilyn Monroe, Kennedy, Elvies Presley, etc. Tomo Weesselman se caracterizaba por ello, como se muestra en la siguiente liga. [https://www.youtube.com/watch?v=lrXwJHYysCg].

 

 Tom Wesselman                                                    Andy Warhol

Mencionado lo anterior, la reflexión sobre la relación del Por Art con el origen del video la encaminaría al uso que tuvo el Pop Art de imágenes que fueran un tanto exhibicionistas y que reclamaban ser contempladas y en última instancia admiradas por el público, lo cual era proveído por la televisión y ésta, a su vez, era provista de imágenes gracias al video.  

En cuanto a Andy Warhol

Como bien sabemos, Andy Warhol fue el más destacado del Pop Art. Su obra se caracteriza por la manipulación y polémica que suscitaron en su momento, tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras contrastadas, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática. Su obra resultó siempre provocadora, excéntrica pues encerraba un sentido irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.

También su obra muchas veces se reduce a una elección aparentemente banal dejando a un lado la manufactura, como la lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola.  

Otra característica peculiar en su trabajo, era la descontextualización del objeto. Por ejemplo, sus obras Cajas de Brillo o Silver Clouds,  eran expuestas como esculturas, lo mismo que la lata de sopa Campbell y los botellines de Coca-Cola, estos últimos representados como símbolo de la modernidad y los nuevos tiempos. 

En cuanto a su trabajo fílmico, lo que más ha llamado la atención es esta insistencia en crear en el espectador cierta sensación de desesperación y aburrimiento. Algunas de sus películas, como las que ya he mencionado (Empire y Sleep) más la de Kiss (donde por 54 minutos aparecen varias parejas, heterosexuales y homosexuales, besándose apasionadamente) son peculiarmente largas y cansadas a la vista. La misma tendencia que sucede con Bill Viola o Vito Acconci.

Empire (1964)                           Kiss (1963)                              Sleep (1963) 

En cuanto a The passing de Bill Viola

The passing es un filme de Bill Viola realizado en el año de 1991 y básicamente se trata de una serie de imágenes en blanco y negro en las que Viola nos sumerge en una ambiente, por momentos muy nostálgicos (como la escena donde aparece una mujer adulta moribunda), algunos otros llenos de misterios (como esos acercamientos a los ojos mirando fijamente a la cámara) y otros tantos muy conmovedores (como la escena del bebe recién nacido). 

Me parece que algo que es fundamental en esta película, y por lo cual me resulta bastante interesante y profundamente emotiva, es esa lentitud en la que Viola decide trabajar sus escenas, y un audio que va de la mano con esta característica, pues es sumamente misterioso y remite a un sin fin de sensaciones, simplemente ese profundo respirar de una persona, o las pisadas sobre la tierra, me parecen básicas para lograr envolvernos en ese ambiente.

Aquella escena donde Viola nos sitúa en la mirada del personaje, éste se levanta y se ve reflejada su sombra a la par que escuchamos sus pasos, me pareció bastante interesante pues de alguna forma Viola logra, por un lado, permitirnos tener una aproximación de cómo el personaje ve lo que tiene frente a él, y por otro lado, gracias a la sombra, podemos ver al personaje.

Viola logra hacer de este filme no verlo como una especie de película en la que una pantalla se interpone entre las imágenes y el espectador, sino que nos adentra de manera tal, que es casi como vivir, sentir y escuchar casi desde el interior de la película y, a su vez, desde el mismo Viola, pero visto desde nuestra propia perspectiva.  

 

Reporte de lectura Alter Video de Eugeni Bonet

En la primera parte de la lectura, Eugeni Bonet nos explica de forma detallada la relación que existe entre la Televisión, el video y el arte. Para ello, menciona que la definición teórica  de televisión (“la transmisión inmediata y a distancia de imágenes y sonidos sincrónicos por medios físicos y electromagnéticos”) raramente se lleva a cabo como tal, pues pareciera que su única función es para mostrar espectáculos o acontecimientos de forma masiva. Es por ello que el autor propone definirla como “medio de distribución o medio de información fuertemente unidireccional, como servicio público al servicio de intereses privados, como industria e instrumentos de Poder”. Lo cual, desde mi punto de vista y al menos en nuestro país, parece una cuestión completamente cierta. Basta con observar la cantidad de cortes comerciales presentes en los programas televisivos que no tienen otro fin más que el de alimentar el consumismo innecesario en las personas;  el control excesivo del gobierno en los contenidos, respaldado por Televisa y Televisión Azteca, para favorecerlo frente al pueblo; etc.

Bonet comenta que fue a partir de la comercialización de la portapack a finales de los años 60’ (del cual abordaré más adelante) que el video fue considerado como una especie de enemigo frente a la televisión y aunque se pretendía ignorarla, también se tenía la ambición por cambiarla o competir con ella. Por otro lado, el cine también se vio amenazado por la televisión, pues ésta también hacia cine comercial y convencional.

En cuanto a su relación con el Arte, Bonet menciona que los medios fílmicos son utilizados para la documentación de obras del artista (Artists’ Films), permitiendo así la aceptación de éstos en las galerías de arte. No obstante, nos menciona ciertas contradicciones como el hecho de transformar al video arte en un objeto con el fin de venderlo a grandes precios. Lo cual de alguna manera considero que desacredita a la obra como tal, pues en realidad lo que se vende es el video y no la obra.

Finalmente en esta primera parte, Bonet concluye comentando que si bien el video es algo que esta fuera del arte y la televisión, tampoco se puede separar de manera absoluta pues […] “el video no es un arte pero es un medio que puede crear un producto artístico […] y  el video no es televisión pero no puede ignorar estoicamente la televisión”.

En la siguiente parte de la lectura, Bonet nos presenta de forma muy precisa los antecedentes del video art, desde los primero experimentos realizados en las estaciones de televisión de Estados Unidos y Europa hasta su relación con el llamado movimiento Fluxus, el cual pretendía la adopción de medios y materiales provenientes de diversos campos a través de varios artistas, con la idea en común de estar en contra del sistema artístico y separar al arte de todo lenguaje especifico, o al menos no hacerlo su fin último.  

Por otro lado, también nos habla sobre el cine videográfico (imágenes de televisión manipulados electrónicamente), considerado como la síntesis de las técnicas del cine y el video. Para entender un poco más esta cuestión, explorando Youtube, encontré el film de Wolf Vostell titulado Sun in your head [http://www.youtube.com/watch?v=z5krhw54oqs] el cual, nos comenta Bonet, es el ejemplo más claro de este tipo de cine. En él, se puede visualizar todo un collage televisivo donde los programas y escenas que se alcanzan a ver quedan transformadas en abstracciones, sumamente hipnóticas y algo desconcertantes.

Por otra parte, Bonet nos introduce de forma muy detallada en el llamado video-art mencionando que la comercialización de los portapack fue decisiva en la evolución de éste, pues numerosos artistas comenzaron a hacer uso de ello, entre estos nos menciona a Nauman y Warhol. Lo interesante de este punto, es cuando menciona que uno de los peores males del video-art  fue que los artistas documentaban sus acciones pero sin el mínimo cuidado del medio empleado en ello, es decir, solo era el crear meros registros más que usar la cámara y las tomas para hacerlas participes en la acción.

En la siguiente parte de la lectura de Bonet, se analiza el concepto Guerrilla Televisión a partir del libro de M. Shamberg, donde su tesis principal, comenta, es que “los portapacks, tele por cable y videocasetes le dan una alternativa a Media-America” (entendida ésta como la influencia de la TV, radio y prensa en la sociedad norteamericana), no sólo en la manera de expresarse sino también en cómo es que la información se estructura. De esta forma, Bonet menciona que los grupos de la guerrilla televisión, intentaban convertir a todos por medio de workshops, acciones de dinamización y manuales de técnica y la realización artesanal de trabajos caseros de reparación. 

No obstante, el concepto Guerrilla Televisión finalizo con la contracultura y sus profetas se equivocaron. Se llego a pensar que era algo necesariamente radical e izquierdista sin embargo estas ideas se desvanecieron al entregarle la televisión a un público.

Finalmente, Bonet ahonda sobre la llamada videosfera describiéndonos cada una de sus vertientes, los cuales resumo a continuación de manera muy general:

·        Microtelevisión- Sistema de circuito cerrado y video, dirigido a grupos más o menos pequeños.

·        Macritelevisión- Televisión convencional, dirigido a todo el público potencial de un Estado.

·        Megatelevisión- Trasmisión a través de satélites dirigida a áreas mas extensas que va mas     allá de los países.

·        Mesotelevisión- Televisión de gestión comunitaria y se dirige a una comunidad determinada geográficamente con ciertas afinidades.  

A manera de comentario último, la lectura de Bonet permite introducirnos en este monstruo llamado video, pues si bien ha sido visto como un medio excelente para los artistas en la grabación, procesamiento, almacenamiento, transmisión de imágenes o reconstrucción por medios electrónicos, etc., también ha sido considerado como “acaparador” de obras que no le pertenecen, en el sentido del lucro del que podrían aprovechar los realizadores.